就像绘画离不开颜色一样，音乐艺术也离不开音色。在音乐作品中运用不同的音色与在美术作品中运用不同颜色是极为相似的。音色与颜色同样能给人以明朗、鲜明、温暖、暗淡等感觉。有许多音乐家把音乐与颜色相比拟，把它们分别联系起来。1876年，当时著名音乐家波萨科特提出了一个音乐家们可以接受的比拟：弦乐、人声——黑色；铜管、鼓——红色；木管——蓝色。而指挥家高得弗来提出的见解是：长笛——蓝色；单簧管——玫瑰色；铜管——红色。
基本上每一件乐器都有自己的音色，而作曲家面对的音色，就像美术家调色板上的色彩一样多。浪漫主义时期的作曲家更注意音色，因为重点已从纯音乐转移到标题音乐，也就是讲述故事，描绘心境或事件的音乐上。作曲家在给听众的铅印节目单上一般也把要讲的故事写上去。如果浪漫派作曲家想让你听到大海汹涌澎湃，鸭子呱呱叫，情人的对话，或者想象出打败恶龙的超凡胜利，他需要充分利用现有的，或者有可能得到的乐器的不同声音。就像节奏，结构或音乐的任何其他要素一样，一些作曲家强调音色，只是因为他们的天资将他们引向那里，或者因为他们试图摆脱过去的经验和常规，或者因为他们富于幻想。要用音乐去表现一头怒吼的雄师或一个温柔的少女，确实需要一些想象力。
而后来以德彪西、拉威尔为代表的一群音乐家，更是因为其色彩性和声与配器的运用，达到了描绘对自然景物的主观印象的目的，使人们联想到以莫奈为代表的印象画派，从而被称为“印象主义音乐”。俄罗斯著名作曲家里姆斯基曾明确提出了调性与色彩的关系，比如他认为：C大调是白色的，D大调是黄色明朗的，A大调是玫瑰色的，F大调是绿色的，等等。
人们还常常用色彩来归纳不同风格的作曲家的作品。比如说，莫扎特的音乐是蓝色的，肖邦的则是绿色的。
音乐家把乐器的音色等同于特定色彩，并不是说我们真的能看到一个彩色的音乐世界，其实这是一种由这些音色联想到和色彩相似的情感。例如，音乐家亚瑟·埃尔森提出了下列的对应：小提琴——明亮欢快，这是粉红色的；中提琴——表现浓郁的愁思，这是蓝色的；大提琴——表现所有的情感，但比小提琴所表现的更加强烈，是深蓝色的；短笛——表现清新，是绿色的；双簧管——表现质朴的欢乐和悲怆，是紫色的；小号——表现大胆、勇武和骑兵渐近的声音，是金黄色的；竖琴——表现流畅和温柔，是透明的。
这样看来，神奇的音乐色彩其实就是情感的色彩罢了。
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