有对话有动作的镜头构成表现特性

二、有对话有动作的镜头构成表现特性

这是比较常用的镜头调度,这类场景的调度中所表现的主体(人物)在镜头表现中不但有动作而且在动作中有对话。比如二人行走中的谈话中带有或许夸大的语言及动作,或者表现二人争吵,情绪激动时动手相互推搡,等等。这种镜头多不是固定的,而是随着演员的动作而动,因此这种画面中演员的表演往往是很放得开的,只要与对手保持画面构成的距离(有效的空间距离),偶尔手臂或头部窜出画面也无所谓,因为这种镜头中的调度对演员来说是比较自如的,从表演的角度讲处理起来也是比较舒服的,镜头对表演的束缚相对较小。

以运动镜头为例,只要演员按着导演或摄影的镜头要求与摄影机或摄像机保持一定距离,保持平行跟进且没有突发性的快或慢,按着叙事及表演的情绪与节奏的需要控制好运动速度,一般情况下都会较好地完成镜头任务的。同时还应注意的是演员在运动中的台词一定要熟练、准确,很多时候往往出现演员表演激烈动作时而忘了台词,或台词处理得不准确不到位等(见图2-3、图2-4)。

图2-3　动作比较大的全景镜头

图2-4　争吵中的手势

注意事项:

(1)动作与画面空间关系的处理,即演员在画面空间大约施展多大的肢体动作,所设计的动作是否超越了画面空间的包裹。此处的重点是肢体动作的幅度大小是根据镜头景别的大小而决定的,近景系列景别的镜头肢体动作一定要小,要以面部表情、微小的肢体动作表现为主。而全景系列景别镜头的身体肢体动作表现则可相对大一些。故此,演员要设计好动作的幅度,不可表现不够,也不能太大而出画过多。

(2)动作的样式、幅度、过程,要完全符合人物性格及规定情景,切忌即兴的心血来潮式表演。动作的设计要精确,以少、精为好,严禁模糊一片不知所云的动作方式。

(3)无论如何激情与兴奋,不可忘记前后情绪及动作的衔接,一定要记住上个镜头结尾的动作,以及动作幅度和动作方向,以便下一个镜头的衔接。

(4)如室内拍摄时,演员要找准光区,尽量配合灯光站准位置。室内拍摄会受到光的限制与制约,有时为了找光(也叫做“躲光”)需要预先设计好路线及走位。

影视剧的拍摄现场中,场面调度有时比较复杂,这就需要演员在导演的规定下,有针对性地反复进行训练。在开拍前的训练过程中,演员要有清晰的头脑及现场的应变能力与适应能力、跟紧景别的能力,以良好的状态去应对复杂的场面调度。

(5)在影视调度中,了解景别的变化及其表现特性对演员的镜前表演是非常重要的,这有利于演员随时调整自己的表演,同时也要尽量做到与镜头的外部调度(摄影机运动所产生的调度为外部调度)的有机结合。

比如某一场戏在演员的调度中(或摄影机的调度)需要演员在连续三个景别(全景、中景、近景)里完成,那么在调度中就有三个表演点需要注意,如从A点到B点是全景,演员可以在表演上比较自由地发挥;当从B点到C点是中景,演员就要收敛某些动作,并尽量减小动作的幅度;从C点到D点是近景,这时的镜头景别几乎在胸部以上,一点点的过分表现都会显得过火或夸张,肢体动作稍大则会动出画面而影响镜头的画面质量,这时演员要格外重视,下面分别介绍在这三种景别中的表演。

全景中的表演:全景中演员可以在一定的范围内自由活动,肢体表现也可以自由发挥,但全景中表演的最后落点往往是下一个中、近景镜头的重要衔接。如果单纯一个的镜头,那么落点定位准确后不要马上结束自己的表演,要适当延长几秒时间,以便后期编剪时有足够的长度(见图2-5)。

图2-5　演员在全景中

中景中的表演:进入中景后要注意表演位置的落幅,表演的动作幅度以及语言的表述都要真实自然。中景里的表演动作也不宜过大,同时要注意准确的交流对象,以及是否遮挡对方的光等(见图2-6)。

图2-6　演员在中景里

近景中的表演:形成近景后则要控制形体、情绪、语言、声音等。与对手交流要准确、生动、自然地表达,尤其重要的是眼睛的表现。近景中的表演有时是连续镜头中的最后完成点,也就是说,经过全景—中景—近景两个过渡完成的,同时也涉及表演中的两个点,即全景到中景的一个点,中景到近景的一个点(也可以叫两个落幅)。需要注意的是,近景镜头表现的时间有时会很短,特别是反应镜头,演员表演时要注意,情绪一定要延续,导演不喊停就要继续保持角色的情绪(见图2-7)。

图2-7　演员在近景中

另外,“光”在表演中应该说时刻不离演员的左右,尤其是在近距离的补光中,灯光近到似乎就在演员的脸上,演员一定要养成对光的适应感,同时也要注意表演中的配合,不能相互挡光(见图2-8、图2-9)。

图2-8　要适应近距离的光及躲光

图2-9　全景中演员比较自由的调度中也要注意“找光”或“躲光